Conceptos


1. Artes plásticas: son obras en las que el hombre expresa sus ideas, sentimientos, hechos, etc., con estilo personal (originalidad, creatividad).
2. Dibujo: es el arte de representar gráficamente una idea.
3. Pintura: es el arte de aplicar el color.
4. Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios, planificar ciudades y pasajes. Es el arte de crear espacios.
5. Escultura: es el arte de tallar, modelar, vaciar o ensamblar formas tridimensionales (de bulto o relieve).
6. Cerámica: es el arte de fabricar vasijas y objetos de barro cocido.
7. Volumen: porción de espacio ocupado por un cuerpo cualquiera.
Sinónimo:
Dimensión: cada una de las tres direcciones en que se mide la extensión de un cuerpo: alto, ancho y profundidad.
8. Bidimensional: es toda imagen en la que podamos medir solamente dos dimensiones: alto y ancho.
Eje: dibujos en el pizarrón, en una hoja, imágenes en la televisión.
Ejemplos de obras de arte bidimensionales serian: Dibujos, grabados, pinturas, fotografías.
9. Tridimensionales: es todo objeto en el que podamos medir tres dimensiones: alto, ancho y profundidad.
Eje: mesa, lápiz, cama, vaso.
Ejemplos de obras de arte tridimensionales serian: Esculturas, cerámica, arquitectura.



La composición

1. Concepto de la Composición
2. Proceso de la Composición:
i. Encajar
ii. Proporcionar
iii. Perspectiva
3. Principios de la Composición:
i. Simetría – Asimetría
ii. Equilibrio (balanza visual)
iii. Unidad y variedad:
a) Interés o destaque
b) Detalle
4. Clases de Composición:
i. Dinámica – Estática
ii. Figurativa – Abstracta
iii. Simétrica – Asimétrica
5. Esquemas de composición:
Tipos de esquema de Composición:
i. Geométricos
ii. En forma de letra
iii. De movimiento
6. Elementos de la Composición:
i. Forma y espacio
ii. Ritmo y movimiento
iii. Línea
iv. Luz
v. Color
vi. Textura
vii. Volumen

Concepto:

Es el resultado de relacionar y ordenar los elementos de expresión plástica (líneas, luces, colores, texturas, etc.) en forma armónica y equilibrada con lo que se pretende dar un significado.
Proceso de la Composición:
i. Encajar: Consiste en trazar una serie de líneas a manera de boceto, con el fin de que el tema que se vaya a dibujar esté relacionado al formato de soporte.
ii. Proporcionar: Es establecer la relación de tamaño que guardan las cosas entre sí.
iii. Perspectiva: Es un recurso mediante el cual la profundidad del espacio (tridimensional) puede ser llevado al dibujo (plano bidimensional).

Principios de la composición:

i. Simetría – Asimetría
Simetría: es la distribución de los elementos a ambos lados de un punto o eje central, de tal manera que una de las partes esté en correspondencia con la otra.
Simetría absoluta: es cuando las partes ambos lados de un punto o eje central son idénticas.
Simetría relativa: es cuando la correspondencia de las partes a ambos lados del eje central es más libre.
Ejemplo: al haber un cambio en las posiciones o actitudes de las figuras u objetos representados a ambos lados del eje central.
Asimetría: es cuando en una composición no hay correspondencia entre una parte y ora en relación al eje central, pero el equilibrio se logra por compensación.
ii. Equilibrio: Es la intima relación entre el todo y las partes. Es la estabilidad que se determina cuando las fuerzas encontradas se compensan mutuamente.
Balanza visual: al sistema visual le resulta incomodo la inestabilidad o el desequilibrio. El equilibrio visual es casi una necesidad, podemos comprobarlo estudiando la balanza visual.
iii. Unidad y variedad:
a) Unidad: se refiere a la buena interrelación entre las partes componentes de un todo. Es decir, que los elementos deben estar integrados en un todo unificado.
b) Variedad: supone la diversidad de elementos. La excesiva unidad produce un efecto de confusión. Para que una composición sea armónica debe haber unidad y variedad.
c) Interés o destaque: en toda composición hay un motivo principal, más sobresaliente hacia el cual tiende primero la mirada del espectador.
d) Detalle: se refiere a las partes secundarias o menos importantes de la composición.

Clases de Composición:

i. Dinámica: es cuando los elementos que la componen presentan movimiento, diferentes actitudes o diversas posiciones.
ii. Estática: es cuando los elementos no presentan movimiento.
iii. Figurativa: es cuando las formas que la componen pueden ser reconocidas.
iv. Abstracta: es cuando las formas de la composición no pueden ser reconocidas.
v. Simétrica: es cuando ambas partes de la composición se corresponden con respecto a un eje central.
vi. Asimétrica: es cuando las partes de una composición no se corresponden en relación a un eje central.

Esquemas de composición:

El esquema de composición viene a ser como el esqueleto del cuadro. Para componer una pintura hacemos un esquema: un dibujo sencillo de líneas, que forman ese esqueleto y sobre el cual se disponen las figuras, los colores y la sombra.
Tipos de esquema:
i. Geométricos: tienen forma geométrica. Ejemplo: cuadrado, triangulo, rectángulo, circunferencia, etc.
ii. Letra: el esquema tiene forma de letras.
iii. Movimiento: son líneas sueltas que sugieren movimientos o ritmos.

Elementos de la composición:

i. Forma: es el aspecto externo y propio de cada cuerpo que nuestra vista capta y lo diferencia de los demás.
ii. Espacio: es todo lugar ocupado por un objeto o persona y su circundante. El espacio puede ser limitado o ilimitado.
iii. Ritmo: es un movimiento o cambio ordenado dentro de una unidad. Es una secuencia regular que establece una armoniosa sucesión de elementos.
iv. Línea: es la base de toda creación artística. Es una abstracción utilizada por el hombre para representar la separación de planos, luces y contornos.
v. Luz: es una forma de energía que se manifiesta por ondas.
vi. Color: Es el producto de la descomposición de la luz cuando esta incide sobre los objetos.
vii. Textura: es la cualidad externa propia de cada cuerpo.
viii. Volumen: es la porción de espacio ocupado por un cuerpo cualquiera.

La forma y el espacio

Todos y cada uno de los seres y cosas perceptibles, poseen una característica que los define a primera vista y a la cual llamamos forma.
Concepto de forma: Es el aspecto externo y propio de cada cuerpo que nuestra vista capta y lo diferencia de los demás.

Clases de forma:

Según las dimensiones:
1. Bidimensional: son formas que constituyen un plano o se encuentran dibujadas en el. Tienen dos dimensiones, alto y ancho.
Ejemplo: dibujo, pintura, televisión, cine, fotografías, etc.
2. Tridimensional: son formas ubicadas en el espacio, tienen volumen. Tienen tres dimensiones, alto ancho y profundidad.
Ejemplo: Cuerpos geométricos, arquitectura, escultura, cerámica, etc.
Según su origen:
1. Naturales: Son las diferentes formas de presentarse la naturaleza. Encontramos formas naturales en el reino animal, mineral y vegetal.
Ejemplo: El hombre, una flor, una piedra, etc.
2. Artificiales: Son aquellas formas creadas o copiadas de la naturaleza por el hombre.
Ejemplo: Una silla, una escultura, una fotografía, la pintura de un paisaje, etc.
Según su identificación:
1. Concretas: Son las formas que identificamos en relación con los seres y cosas conocidas.
Ejemplo: Figura humana, una mesa, un sombrero, un caballo, una flor.
2. Abstractas: Son aquellas formas que no identificamos con las cosas conocidas. Son formas puras, ideales, sin posible identificación con imágenes ya existentes, aunque a veces parezcan sugerir seres conocidos.
3. Geométricas: Están regidas por las reglas de la Geometría. De acuerdo a sus dimensiones los cuerpos pueden ser:
i. Bidimensionales: Cuadrado, circulo, triangulo, rectángulo, rombo, pentágono, etc.
ii. Tridimensionales: Cubo, prisma, esfera, etc.
4. Positivas: Son aquellas realizadas sobre un fondo blanco destacándose por sus colores o volumen.
5. Negativas: Son aquellas realizadas sobre fondos de colores destacándose por permanecer en blanco.
Concepto de espacio: Es todo lugar ocupado por objeto o persona y sus circundante. El espacio puede ser limitado o ilimitado.
i. Limitado: Es el que se encuentra rodeado por algunos elementos que lo convierten en un espacio completo, ya que toma la forma dada por las partes limitantes que lo definen.
Ejemplo: El salón de clases.
ii. Ilimitada: Es el que carece de elementos que lo circunden, es infinito.
Ejemplo: El universo.
iii. Imaginario: Es el representado en una superficie plana ya que verdaderamente no ocupa un espacio real.
Ejemplo: Una pintura de un paisaje.

Perspectiva

Concepto: Es el recurso técnico mediante el cual se puede dar la sensación de profundidad, de lejanía en un plano.

Tipos de perspectiva:

i. Aérea: Es la sugerencia de profundidad que produce la distinta manera de trabajar el color, valor y saturación, a medida que por la distancia ella se torna más densa.
Los colores en áreas mas cercanas al observador tienen un tratamiento de mayor saturación y las áreas mas lejanas presentan una atmosfera más densa a medida que se alejan, por lo cual el color sufre mayor dispersión.
ii. Lineal: Es la sugerencia de profundidad basada en la línea del horizonte según la ilusión del ojo, se unen en la lejanía el plano del cielo con el de la tierra.
Para realizar una perspectiva debemos tomar en cuenta:
a) La línea del horizonte que representa la altura de la vista del observador.
b) Punto del observador.
c) Punto de vista centro del ángulo visual del espectador.
d) Puntos de fuga o punto de fuga que se encuentra ubicado en la línea del horizonte donde convergen las líneas perpendiculares y las diagonales al plano.

Características de una composición en perspectiva:

1. Las líneas paralelas y perpendiculares a la línea del horizonte, se unen a un punto de fuga.
2. Las formas de un mismo tamaño, al acercase al punto de fuga van disminuyendo.


La textura

Concepto: Es la cualidad externa propia de cada cuerpo.
La textura es un elemento de expresión plástica al igual que el color, la luz, la línea, etc. Al igual que otros medios plásticos es expresiva, significativa, transmite de por si reacciones variables en el espectador.
Debemos tomar en cuenta que no solamente la textura es la apariencia externa de la estructura de los materiales, sino el tratamiento que puede dársele a una superficie a través de los materiales y su apreciación corresponden tanto al tacto como a la visión.
Textura Natural Es la manera como los componentes de una materia se estructuran y organizan dándole a la superficie resultante un aspecto propio.
Tratamiento de superficie: son las modificaciones externas de la materia, impuestas por la naturaleza o por el hombre.

Tipos de textura:

1. Táctil: Es cuando presenta diferencias que responden al tacto y a la visión.
Ejemplo: rugoso, suave, áspero, liso, etc.
2. Visual: es cuando presenta diferencias o sugerencias sobre una superficie que solo puede ser captada por el ojo, no respondiendo al tacto.
Ejemplo: brillante, opaco, transparente, etc.

Características de la textura

1. Tamaño: Se refiere a la dimensión del elemento texturante, que se agranda o se achica, es mantener una proporción de tamaño entre los elementos.
2. Densidad: se refiere a la distribución del elemento texturante en el espacio. Se trata de percibir si el conjunto está muy cerrado, tupido o por el contrario muy separado.
3. Dirección: De acuerdo al orden y/o proporción entre los elementos texturantes y los intervalos, la textura presenta posibilidades de dirección, como respuesta activa por parte del objeto.

La textura en el arte

Arquitectura: La textura cumple un papel de primer orden, por ejemplo, un muro liso será completamente distinto a otro tratado texturalmente, las luces y sombras producen un efecto visual lo cual hace que el muro se perciba con mayor plasticidad.
El muro en arquitectura puede ser tratado o revestido mediante el empleo de diversos materiales: el ladrillo, el mármol, las piedras, materiales de textura propia. También el muro puede ser revestido con un friso de cemento, arena, yeso, etc, y se pueden obtener corpúsculos, granos o fibras; también contexturas lineales al muro se le dará la mayor flexibilidad, carácter y desde luego plasticidad.
Escultura: La textura de aplica en la talla, modelado, vaciado, relieves, haciendo resaltar entre otros aspectos el ropaje, anatomía, volumen. La superficie de estos volúmenes consiguen un valor textural mediante el procedimiento de rayado, picado, raspado, etc.
Pintura: Mediante el empleo de diversos materiales colorantes sea fluido, liquido, pastoso; ofrece una sensación textural distinta. Además se aplica la textura en los diferentes procedimientos y soportes empleados: así tenemos una pincelada de rasgos cortos o largos, o el empleo de la espátula y la particular huella que dejan, a esto se le agrega el soporte de superficie suave o áspera o tratada con granulaciones.
En las tendencias del arte actual las texturas expresan por si solas el carácter de la obra y el artista recurre a los medios más inusitados y tecnológicos, incluso al recurso de las telas, papel, cartón (collages), objetos y materiales diversos.
Artes graficas Existen infinidades de medios para conseguir efectos ópticos texturales. El dibujante aprovecha todas las posibilidades que le ofrecen los materiales que emplea para crear las sensaciones más diversas: rayado, punteado, tramado, en fin, una variedad de grafismos.




La luz


Concepto: Es una forma de energía que se manifiesta por ondas al igual que el calor o el sonido.
Luz directa: es la que percibimos de un cuerpo luminoso.
Luz indirecta o reflejada: es la que nos llega por reflejo de una superficie, como es el caso de la luna o los planetas.
Cuerpo luminoso: es cuando el cuerpo irradia su propia luz.
Cuerpo iluminado: Es cuando el cuerpo refleja la luz que recibe.
Reflexión de la luz: Cuando un rayo de luz encuentra una superficie pulimentada, el rayo es rechazado de acuerdo con ciertos principios. En este caso se dice que el ángulo de incidencia es igual al ángulo de reflexión. Ejemplo: un espejo.
Las superficies ásperas reflejan los rayos con arreglo a los mismos principios citados, pero debido a que no se hayan pulidas, la reflexión que se produce es difusa.
Refracción de la luz Es cuando la luz penetra oblicuamente en alguna superficie (agua, vidrio) y cambia de dirección. La refracción es causada por la diferencia de velocidad que experimenta la luz al pasar de una sustancia a otra.
Claroscuro: Cuando un objeto redondo es iluminado, podemos ver una zona más clara, que se produce directamente bajo la acción de la luz; otra zona donde no llega la luz a la que llamamos sombra y una intermedia entre la luz y la sobra, a la que denominamos mediatinta. Por último se producen los reflejos en la sombra o en la mediatinta.
Resumiendo:
1. La luz: La representamos mediante el blanco.
2. La mediatinta: La representamos mediante una sucesión de grises.
3. La sombra: La representamos mediante el negro.
4. Los reflejos: Los representamos mediante los grises muy claros.

Escala de valores

Esta degradación de valores (claroscuro) podemos interpretarla por planos y a la ordenación de esos planos la denominamos con el nombre de escala de valores.
El valor pone de manifiesto la mayor o menor cantidad de luz. Ósea, que los valores son los grados de claridad que existe entre los extremos de valores. Ejemplo: blanco y negro.
En una fotografía podemos ver como cada color natural se traduce en un valor, ya que entre ellos existe una relación en base a sus diferentes niveles de luz:
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El amarillo, el color más claro está más cerca del blanco.

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El violeta, el color más oscuro está más cerca del negro.

Los colores de valor alto (claros) reflejan más luz.
Los colores de valor bajo (oscuros) la absorben.

Carácter expresivo de la luz

Si la dirección de la luz hacia un objeto es:
1. Frontal: aplana, destruye el volumen, la percepción de los detalles resulta débil.
2. Lateral: contraste pronunciado, se destaca el volumen.
3. Ascendente: de abajo hacia arriba. Da una apariencia extraña, a veces deforma la unidad de la figura.
4. A contraluz: cuando la fuente luminosa se coloca por detrás del objeto, crea un efecto de silueta.
5. Cenital: se produce desde arriba, es la más normal.

Observar el claroscuro en:
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Renacimiento: Leonardo Da Vinci

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Barroco (Holanda): Rembrandt

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Barroco (Italia): Caravaggio





Ritmo y movimiento


El ritmo es una cualidad innata en cuanto a creación. Puede ser aprendida y desarrollada. Cuando una obra carece de él parece muerta, ya que es, sobre todo, movimiento, ósea, una creación continua que no es monótona.
El ritmo en las composiciones plásticas es un movimiento concertado que se desarrolla en las diferentes formas de la obra para enlazarlas y unificarlas, con el fin de conducir el ojo del observador por una vía organizada hacia el centro de interés, y que desde este tenga una salida fácil hacia la parte exterior de la obra.
Con todo lo dicho vamos a esbozar una definición de ritmo.
La palabra ritmo tiene su origen en el verbo rheo y del vocablo rhytmos, ambos griegos. Los dos brindan la idea de algo que fluye, que pasa, que cambia, que tiene movimiento.
Para que se produzca el ritmo necesario algo más que movimiento, hace falta orden.
Concepto: El ritmo es un movimiento o cambio ordenado dentro de una unidad. Es una secuencia regular que establece una armoniosa sucesión de elementos.

Carácter expresivo del ritmo

El ritmo nos revela la exacta periodicidad de cada fase de la vida y también nos sugiere el carácter predominante en los diferentes ciclos evolutivos de la historia. En las manifestaciones artísticas de todos los tiempos, el ritmo ha jugado papel de primerísima importancia, porque el constituye el instrumento por excelencia para organizar y uniformar. Podríamos decir entonces, que el ritmo es el recurso compositivo que mejor expresa el carácter de los estilos.
Ejemplo: es suelto y lento en las pinturas y relieves que ornamentan los templos y tumbas egipcias; en Botticelli se torna de un acusado carácter lineal y formal; se recobra su vitalidad en Poussin a través de la línea, el color y la forma de expresión abstracta.
El ritmo no es atributo exclusivo de la pintura y la escultura puesto que lo observamos en la naturaleza y en las formas de cuanto el hombre crea y realiza. El no atañe solo al contorno general de las formas; ni a las líneas predominantes en la composición; sino que corresponde a la luz, al color y aun a las texturas, es decir, abarca íntegramente toda la expresión artística.
La importancia del ritmo se basa en el valor que resulta de alternar la tensión y la relajación y si es cierto que con el ritmo se puede lograr que lo estático simule movimiento.

El ritmo en las artes

Cada una de las artes tiene su ritmo característico, pues el ritmo es la esencia de toda creación artística.
En la música por ejemplo, el ritmo es vital pues él es la misma música ya que constituye mediante la fluencia y el juego de sonidos que se enlazan en el tiempo.
En la danza el ritmo está formado por movimientos que se suceden armónicamente en el tiempo y el espacio.
En la literatura el tiempo amarra el escenario, los personajes y su psicología con el tiempo y el espacio, dando vida y alma a todo este conjunto.

El ritmo en la expresión plástica

En el dibujo y la pintura, donde intervienen líneas, masas y colores, podemos definir el ritmo como la sucesión ordenada de líneas, masas, tonos y colores.
Muchas veces sin que el artista se lo haya propuesto intencionalmente, ni dando cuenta de ellos, las líneas y masas se desarrollan y ajustan, creándose así movimientos rítmicos que llevan el ojo del espectador hacia el punto o área de mayor interés.

Clases de ritmo

Existen varias clases de ritmo tales como:
1. Ritmo de color
2. Ritmo del sonido
3. Ritmo del movimiento
4. Ritmo espacial

Ritmo espacial

Concepto: Es el movimiento obtenido de la sucesión ordenada e líneas, masas y tonos desarrollados en el espacio. El ritmo espacial se produce en el espacio, considerado este como superficie bidimensional o como espacio tridimensional.

Tipos de ritmo espacial

Por repetición: es la repetición sucesiva de una figura o línea, manteniendo siempre está el tamaño, unidad, intervalo o distancias iguales. Cuando una forma o motivo es repetido gradualmente se produce un movimiento que conduce la vista de un motivo a otro. No se les aprecia por separado, sino en sucesión rítmica que se desarrolla a lo largo del espacio.
Por simetría: Es la distribución de elementos a ambos lados de un eje central, de tal manera que una de sus partes corresponda con la otra. El eje puede ser real o imaginario.
Se distinguen dos tipos de ritmos simétricos en la composición:
1. Simetría absoluta: exacta correspondencia
2. Simetría relativa: correspondencia más libre.
3. Por asimetría: Se caracteriza por la falta de correspondencia entre los elementos a ambos lados de un eje central.
4. Por radiación: Cuando las líneas fundamentales y estructurales de una composición parten de un punto o se dirigen a él imitando rayos o radios de una circunferencia. La radiación no está siempre circunscrita al círculo.
5. Por alterabilidad: Es una sucesión de elementos variados que se repiten alternándose con cierto orden y dirección.
6. Por contraste: Es la relación de elementos de características opuestas entre sí pero unidos de cierto modo que produzcan una unidad armónica. El contraste supone el más alto grado de alternancia y es una de las bases más importantes del ritmo.
7. Libre: Son los que no están sometidos a series de elementos ordenados, según principios concretos.

Ritmo en el dibujo y la pintura

En este aspecto el ritmo se determina por la relación existente entre la magnitud de masas y su dirección. La cualidad rítmica se percibe por la secuencia regular y armónica de sus elementos (línea, masa, color, valor, textura, etc.).
El ritmo en las composiciones plásticas es un movimiento concertados que se desarrolla en las diferentes formas de la obra, que las envuelve y les imprime fuerza o movimiento interior (valor expresivo de la forma)

El ritmo en la escultura

Siendo la escultura una manifestación corpórea de las artes plásticas, la secuencia rítmica se obtiene por distribución de masas de la localización de los volúmenes. Esta secuencia rítmica se capta, se deduce de esa corporeidad poliédrica (vista desde varios ángulos) lo que obliga al observador a buscar la unidad con respecto al espacio real que la envuelve, con respecto al equilibrio de las masas.

El ritmo en la arquitectura

La distribución rítmica del espacio arquitectónica, está determinada por las formas entrantes y salientes, también por repetición modular; que en conjunto ofrece un juego armonioso de luces y sombras.
En consecuencia el ritmo se obtiene por la distribución lógica de los elementos estructurales y ornamentales.
La secuencia rítmica se percibe por sucesión de vistas desde diferentes ángulos, que el observador hace en su espacio exterior e interior (Espacio – Tiempo).

La ornamentación y el ritmo

En el diseño ornamental como en toda composición plástica el ritmo esta dado por las formas en espacio. La ornamentación es una actividad plástica que consiste en sobrecarga de una superficie con formas, colores, es decir, la ornamentación es un sistema de vestir, una superficie, un objeto, etc.
Los diseños ornamentales se pueden obtener por imitación de la naturaleza, por abstracción de la forma o por invención; por imitación de la naturaleza se representan motivos de la flora, de la fauna y de la figura humana.
Los motivos naturales pueden realizarse por abstracción de la forma en donde interviene la imaginación recibiendo el nombre de estilización.
Los motivos de imaginación son infinitos, predominando entre ellos la forma geométrica: Cuadrangular, triangular, ovoidal, circular, romboidal.



El Diseño

Principios Fundamentales

Diseñar (del latín designare) significa planificar, elaborar planes o proyectar objetos como respuesta a necesidades o requerimientos concretos. El origen del diseño está en la actividad humana cuya meta está dirigida a resolver problemas y tiene como finalidad el análisis de las relaciones del hombre con el medio, para concretarlas en objetos.
El diseñador de productos es al mismo tiempo un técnico y un artista. En él se combina el conocimiento de los materiales, mecanismos y métodos de producción con el talento artístico, para dar forma y funcionalidad a los objetos que fabricara la maquina.
El diseñador de productos tomara en consideración las siguientes experiencias:
1. La función: Es la razón de ser del diseño propuesta, y por lo tanto el primer planteamiento a que atiende el diseñador. ¿Para qué servirá el producto cuyo diseño se plantea? ¿Cuál es el problema a resolver? ¿Cómo debe trabajar ese objeto para que responda a las exigencias formuladas? La respuesta a estas interrogantes constituye la función.
2. La forma: En el diseño de productos debe quedar claramente establecida las propiedades de la forma, no como un simple aspecto externo del objeto, sino como soluciones estructurales y funcionales que satisfagan tanto al productor como al consumidor. Palabras del arquitecto Sullivan en 1890: “La función determina la forma y la forma expresa la función”.
3. Los materiales: Tienen diferencias individuales en cuanto a resistencia, peso, textura, etc y poseen un grado de adaptabilidad a diversos usos; esto obliga a respetar sus posibilidades y a servirse de ellos solo para formas y funciones acordes con sus características.



Diferentes ramas del diseño


Dentro del diseño bidimensional podemos ubicar dos tipos de diseños: el diseño de comunicación visual y el diseño grafico.

Diseño de comunicación visual

Se ocupa de las imágenes que tienen la función de dar una comunicación visual y una información visual. A veces sirve para guiar, avisar o alertar al público acerca de situaciones precisas. Ejemplo: logotipos, signos, señales (señales de tránsito), símbolos (los utilizados en formulas químicas, mapas, diseños arquitectónicos o planos eléctricos.
Pictogramas: Son símbolos gráficos relacionados con imágenes, donde los dibujos tienen parecido real con el objeto.

Diseño Grafico

Tiene por finalidad servir como medio de comunicación de ideas o conceptos. Se utiliza más que todo en la ilustración de libros, revistas, publicidad, envases, afiches, portadas de discos y en el grabado.
Ambos tipos de diseños utilizan comúnmente imágenes las cuales pueden ser abstractas (con carácter simbólico) o tomadas de la naturaleza (en forma realista o estilizada). Las imágenes pueden ser elementos muy simples y poseer una gran fuerza expresiva. También el texto se convierte en un elemento de composición y es el diseñador el que escoge el tamaño, la ubicación, extensión, tipo de letra (rotulación), color y disposición en general, para que dicho texto se integre al diseño.
También puede haber texto exclusivamente como es el caso de la página de un libro, de una revista, o de un periódico o de un simple aviso de prensa. Se habla entonces de diagramación.

Importancia del diseño de comunicación visual


Mediante el diseño visual podemos resolver problemas de la vida diaria y evitar situaciones incomodas o peligrosas. Las señales de tránsito son objeto de normas y acuerdos internacionales, independientemente del idioma o la ubicación geográfica del país donde se apliquen. Mediante una buena indicación grafica podemos encontrar la salida de un teatro, distinguir donde hay un teléfono público, un restaurant, interpretar las instrucciones para poner en marcha un artefacto, etc. La publicidad, la política, la educación, el cine, y la televisión se apoyan en el diseño de comunicación visual para promover la voluntad colectiva hacia ciertos comportamientos.
Dentro del diseño tridimensional distinguimos dos tipos de diseño: el artesanal y el industrial.

Diseño Artesanal

Es el diseño que se hacía desde la Prehistoria hasta la invención de la maquina. Consiste en elaborar piezas únicas o repetir el modelo en cantidades limitadas, ya que se fabrican manualmente.

Diseño Industrial

El diseño industrial o diseño de productos es la actividad creadora cuya meta principal es determinar las relaciones que existen entre la función, la forma y los materiales de los objetos que producirá la industria. Estos deben cumplir los siguientes requerimientos:
1. Ser fabricados en serie (repetir “modelo” o “standard”)
2. Ser fabricados mediante la utilización de maquinas.
3. Atender a consideraciones de orden estético.
El diseñador de productos debe poseer además de una mentalidad analítica, curiosidad y un verdadero interés humano y social.





Procesos de la elaboración de un diseño

Causa primera o motivo

Sin un motivo no hay diseño. Debe existir un motivo o una necesidad humana que impulse al diseñador a diseñar.
Puede ser que él tenga una idea propia sobre los requisitos anatómicos que debe llenar una silla y piensa que todos los diseños existentes son malos. O quizás el diseñador quiera intentar una nueva manera de utilizar la madera o el plástico. O quizás el fabricante que contrata al diseñador desea producir un tipo nuevo y barato de sillas.
Mediante la investigación se trata de averiguar que antecedentes hay en relación con el problema que nos ocupa: que soluciones se han dado al mismo problema o a problemas similares.

Causa formal

El diseñador comienza a imaginar cómo será su silla; esta empieza a adquirir forma en su mente. Probablemente utilice lápiz y papel para hacer algunos bosquejos que lo ayudan a pensar. Tendrá una idea de su forma preliminar, así como de los materiales que va a emplear, o de la manera de ensamblarlos. Esta etapa también es de análisis.
El diseñador no necesariamente debe ocuparse de la construcción del objeto. Aunque el mismo haga la silla, la construcción es un proceso secundario, y lo más probable es que lo haga otra persona.

Causa material

Los materiales que utiliza el diseñador tienen diferencias individuales en cuanto a resistencia, poder de tensión, pero, permeabilidad. Toda idea de objeto debe materializarse, sea en madera, metal o cualquier otro material. Una forma real no puede existir separadamente del material. Hay que comprender la naturaleza del material para que este coopere con uno, sin forzarlo. Cuando más se sabe del material, mejores y más imaginativas son las ideas.

Causa técnica

El material sugerirá herramientas y técnicas apropiadas. La forma sufrirá la influencia de las herramientas utilizadas para obtenerla, así como las técnicas elegidas.
Aceptada la proposición se inicia el proceso de realización en el cual se construye el modelo.


Conceptos para análisis plástico

Artes

Generalmente se han clasificado las artes plásticas o visuales en:
Bellas artes: Son la arquitectura, la pintura y la escultura.
Artes aplicadas: Son la cerámica, la orfebrería, esmaltes sobre metales, fotografía, grafismo, diseño e ilustración.
“…Hoy en día las artes plásticas no están académicamente limitadas dentro de la pintura, la escultura y la arquitectura; ni aceptan las absurdas divisiones de artes puras aplicadas y menores; ni se separan arbitrariamente de la ciencia como ocurría hasta fines del siglo pasado sino que buscan una relación más coherente con esta y con la tecnología. Ellas impregnan todos los medios de comunicación visual y condicionan el ambiente en que vivimos, a través del diseño de los vehículos, la moda, los muebles, los objetos domésticos, etc..”[1]

Estética

Es una parte de la filosofía que se encarga de estudiar la belleza. Investiga sobre que hay en el hombre para que se sienta el impacto de la belleza y que hay en las obras artísticas para que produzca tal impacto en el hombre.
Expresión: es el hecho de revelar lo que el artista lleva dentro de sí en una obra de arte.
Contenido: es lo que la obra de arte expresa. Es lo esencial que captamos o lo que nos dice el artista a través de su obre. No lo vemos pero lo percibimos.
Forma: La idea o sentimiento se exterioriza a través de formas. Ellas son lo que podemos captar por nuestros sentidos corporales: la vemos, la oímos, la palpamos. No necesariamente tienen que ser formas concretas, pueden ser formas abstractas. En un cuadro son: colores, líneas, etc. En una arquitectura o en una escultura son: volúmenes y espacio.

Estilo

Es el reflejo del espíritu sobre las formas. Es el modo y la manera de expresión artística.
Se habla de un estilo personal, cuando el artista refleja lo esencial de su personalidad por encima de un momento histórico determinado. Ejemplo: el estilo de Tiziano, el estilo de Rubens.
También se habla de un estilo histórico cuando lo que predomina en la obra es el alma de determinada época. Ejemplo: el estilo barroco, el estilo gótico.
El sentido de la palabra arte es más amplio que el de estilo ya que diversos estilos constituyen un arte. Por ejemplo el arte griego.

Escuela

Es el conjunto de obras con caracteres comunes determinados por la región donde los artistas desarrollan su actividad. Ósea que son factores geográficos y físicos: El suelo, la luz natural, el clima, las condiciones sociales, económicas y tradicionales del país. Los factores que influyen en el trabajo del artista y por lo tanto de todos los artistas que producen su obra en ese lugar haciendo que todos ellos se expresen con un especial acento de grupo que los distingue de los demás. Por ejemplo: La Escuela de Caracas fue un grupo de pintores quienes alrededor de 1920 iniciaron una nueva forma de tratar el paisaje.

Genero

Se ha dado en llamar género al conjunto de obras que forman una especie con características comunes, especialmente vinculadas al tema.







:Proceso de la Composición:
i. Encajar: Consiste en trazar una serie de líneas a manera de boceto, con el fin de que el tema que se vaya a dibujar esté relacionado al formato de soporte.
ii. Proporcionar: Es establecer la relación de tamaño que guardan las cosas entre sí.
iii. Perspectiva: Es un recurso mediante el cual la profundidad del espacio (tridimensional) puede ser llevado al dibujo (plano bidimensional).

Principios de la composición:

i. Simetría – Asimetría
Simetría: es la distribución de los elementos a ambos lados de un punto o eje central, de tal manera que una de las partes esté en correspondencia con la otra.
Simetría absoluta: es cuando las partes ambos lados de un punto o eje central son idénticas.
Simetría relativa: es cuando la correspondencia de las partes a ambos lados del eje central es más libre.
Ejemplo: al haber un cambio en las posiciones o actitudes de las figuras u objetos representados a ambos lados del eje central.
Asimetría: es cuando en una composición no hay correspondencia entre una parte y ora en relación al eje central, pero el equilibrio se logra por compensación.
ii. Equilibrio: Es la intima relación entre el todo y las partes. Es la estabilidad que se determina cuando las fuerzas encontradas se compensan mutuamente.
Balanza visual: al sistema visual le resulta incomodo la inestabilidad o el desequilibrio. El equilibrio visual es casi una necesidad, podemos comprobarlo estudiando la balanza visual.
iii. Unidad y variedad:
a) Unidad: se refiere a la buena interrelación entre las partes componentes de un todo. Es decir, que los elementos deben estar integrados en un todo unificado.
b) Variedad: supone la diversidad de elementos. La excesiva unidad produce un efecto de confusión. Para que una composición sea armónica debe haber unidad y variedad.
c) Interés o destaque: en toda composición hay un motivo principal, más sobresaliente hacia el cual tiende primero la mirada del espectador.
d) Detalle: se refiere a las partes secundarias o menos importantes de la composición.

Clases de Composición:

i. Dinámica: es cuando los elementos que la componen presentan movimiento, diferentes actitudes o diversas posiciones.
ii. Estática: es cuando los elementos no presentan movimiento.
iii. Figurativa: es cuando las formas que la componen pueden ser reconocidas.
iv. Abstracta: es cuando las formas de la composición no pueden ser reconocidas.
v. Simétrica: es cuando ambas partes de la composición se corresponden con respecto a un eje central.
vi. Asimétrica: es cuando las partes de una composición no se corresponden en relación a un eje central.

Esquemas de composición:

El esquema de composición viene a ser como el esqueleto del cuadro. Para componer una pintura hacemos un esquema: un dibujo sencillo de líneas, que forman ese esqueleto y sobre el cual se disponen las figuras, los colores y la sombra.
Tipos de esquema:
i. Geométricos: tienen forma geométrica. Ejemplo: cuadrado, triangulo, rectángulo, circunferencia, etc.
ii. Letra: el esquema tiene forma de letras.
iii. Movimiento: son líneas sueltas que sugieren movimientos o ritmos.

Elementos de la composición:

i. Forma: es el aspecto externo y propio de cada cuerpo que nuestra vista capta y lo diferencia de los demás.
ii. Espacio: es todo lugar ocupado por un objeto o persona y su circundante. El espacio puede ser limitado o ilimitado.
iii. Ritmo: es un movimiento o cambio ordenado dentro de una unidad. Es una secuencia regular que establece una armoniosa sucesión de elementos.
iv. Línea: es la base de toda creación artística. Es una abstracción utilizada por el hombre para representar la separación de planos, luces y contornos.
v. Luz: es una forma de energía que se manifiesta por ondas.
vi. Color: Es el producto de la descomposición de la luz cuando esta incide sobre los objetos.
vii. Textura: es la cualidad externa propia de cada cuerpo.
viii. Volumen: es la porción de espacio ocupado por un cuerpo cualquiera.

La forma y el espacio


Todos y cada uno de los seres y cosas perceptibles, poseen una característica que los define a primera vista y a la cual llamamos forma.
Concepto de forma: Es el aspecto externo y propio de cada cuerpo que nuestra vista capta y lo diferencia de los demás.

Clases de forma:

Según las dimensiones:
1. Bidimensional: son formas que constituyen un plano o se encuentran dibujadas en el. Tienen dos dimensiones, alto y ancho.
Ejemplo: dibujo, pintura, televisión, cine, fotografías, etc.
2. Tridimensional: son formas ubicadas en el espacio, tienen volumen. Tienen tres dimensiones, alto ancho y profundidad.
Ejemplo: Cuerpos geométricos, arquitectura, escultura, cerámica, etc.
Según su origen:
1. Naturales: Son las diferentes formas de presentarse la naturaleza. Encontramos formas naturales en el reino animal, mineral y vegetal.
Ejemplo: El hombre, una flor, una piedra, etc.
2. Artificiales: Son aquellas formas creadas o copiadas de la naturaleza por el hombre.
Ejemplo: Una silla, una escultura, una fotografía, la pintura de un paisaje, etc.
Según su identificación:
1. Concretas: Son las formas que identificamos en relación con los seres y cosas conocidas.
Ejemplo: Figura humana, una mesa, un sombrero, un caballo, una flor.
2. Abstractas: Son aquellas formas que no identificamos con las cosas conocidas. Son formas puras, ideales, sin posible identificación con imágenes ya existentes, aunque a veces parezcan sugerir seres conocidos.
3. Geométricas: Están regidas por las reglas de la Geometría. De acuerdo a sus dimensiones los cuerpos pueden ser:
i. Bidimensionales: Cuadrado, circulo, triangulo, rectángulo, rombo, pentágono, etc.
ii. Tridimensionales: Cubo, prisma, esfera, etc.
4. Positivas: Son aquellas realizadas sobre un fondo blanco destacándose por sus colores o volumen.
5. Negativas: Son aquellas realizadas sobre fondos de colores destacándose por permanecer en blanco.
Concepto de espacio: Es todo lugar ocupado por objeto o persona y sus circundante. El espacio puede ser limitado o ilimitado.
i. Limitado: Es el que se encuentra rodeado por algunos elementos que lo convierten en un espacio completo, ya que toma la forma dada por las partes limitantes que lo definen.
Ejemplo: El salón de clases.
ii. Ilimitada: Es el que carece de elementos que lo circunden, es infinito.
Ejemplo: El universo.
iii. Imaginario: Es el representado en una superficie plana ya que verdaderamente no ocupa un espacio real.
Ejemplo: Una pintura de un paisaje.

Perspectiva

Concepto: Es el recurso técnico mediante el cual se puede dar la sensación de profundidad, de lejanía en un plano.

Tipos de perspectiva:

i. Aérea: Es la sugerencia de profundidad que produce la distinta manera de trabajar el color, valor y saturación, a medida que por la distancia ella se torna más densa.
Los colores en áreas mas cercanas al observador tienen un tratamiento de mayor saturación y las áreas mas lejanas presentan una atmosfera más densa a medida que se alejan, por lo cual el color sufre mayor dispersión.
ii. Lineal: Es la sugerencia de profundidad basada en la línea del horizonte según la ilusión del ojo, se unen en la lejanía el plano del cielo con el de la tierra.
Para realizar una perspectiva debemos tomar en cuenta:
a) La línea del horizonte que representa la altura de la vista del observador.
b) Punto del observador.
c) Punto de vista centro del ángulo visual del espectador.
d) Puntos de fuga o punto de fuga que se encuentra ubicado en la línea del horizonte donde convergen las líneas perpendiculares y las diagonales al plano.

Características de una composición en perspectiva:

1. Las líneas paralelas y perpendiculares a la línea del horizonte, se unen a un punto de fuga.
2. Las formas de un mismo tamaño, al acercase al punto de fuga van disminuyendo.






La textura


Concepto: Es la cualidad externa propia de cada cuerpo.
La textura es un elemento de expresión plástica al igual que el color, la luz, la línea, etc. Al igual que otros medios plásticos es expresiva, significativa, transmite de por si reacciones variables en el espectador.
Debemos tomar en cuenta que no solamente la textura es la apariencia externa de la estructura de los materiales, sino el tratamiento que puede dársele a una superficie a través de los materiales y su apreciación corresponden tanto al tacto como a la visión.
Textura Natural Es la manera como los componentes de una materia se estructuran y organizan dándole a la superficie resultante un aspecto propio.
Tratamiento de superficie: son las modificaciones externas de la materia, impuestas por la naturaleza o por el hombre.

Tipos de textura:

1. Táctil: Es cuando presenta diferencias que responden al tacto y a la visión.
Ejemplo: rugoso, suave, áspero, liso, etc.
2. Visual: es cuando presenta diferencias o sugerencias sobre una superficie que solo puede ser captada por el ojo, no respondiendo al tacto.
Ejemplo: brillante, opaco, transparente, etc.

Características de la textura

1. Tamaño: Se refiere a la dimensión del elemento texturante, que se agranda o se achica, es mantener una proporción de tamaño entre los elementos.
2. Densidad: se refiere a la distribución del elemento texturante en el espacio. Se trata de percibir si el conjunto está muy cerrado, tupido o por el contrario muy separado.
3. Dirección: De acuerdo al orden y/o proporción entre los elementos texturantes y los intervalos, la textura presenta posibilidades de dirección, como respuesta activa por parte del objeto.

La textura en el arte

Arquitectura: La textura cumple un papel de primer orden, por ejemplo, un muro liso será completamente distinto a otro tratado texturalmente, las luces y sombras producen un efecto visual lo cual hace que el muro se perciba con mayor plasticidad.
El muro en arquitectura puede ser tratado o revestido mediante el empleo de diversos materiales: el ladrillo, el mármol, las piedras, materiales de textura propia. También el muro puede ser revestido con un friso de cemento, arena, yeso, etc, y se pueden obtener corpúsculos, granos o fibras; también contexturas lineales al muro se le dará la mayor flexibilidad, carácter y desde luego plasticidad.
Escultura: La textura de aplica en la talla, modelado, vaciado, relieves, haciendo resaltar entre otros aspectos el ropaje, anatomía, volumen. La superficie de estos volúmenes consiguen un valor textural mediante el procedimiento de rayado, picado, raspado, etc.
Pintura: Mediante el empleo de diversos materiales colorantes sea fluido, liquido, pastoso; ofrece una sensación textural distinta. Además se aplica la textura en los diferentes procedimientos y soportes empleados: así tenemos una pincelada de rasgos cortos o largos, o el empleo de la espátula y la particular huella que dejan, a esto se le agrega el soporte de superficie suave o áspera o tratada con granulaciones.
En las tendencias del arte actual las texturas expresan por si solas el carácter de la obra y el artista recurre a los medios más inusitados y tecnológicos, incluso al recurso de las telas, papel, cartón (collages), objetos y materiales diversos.
Artes graficas Existen infinidades de medios para conseguir efectos ópticos texturales. El dibujante aprovecha todas las posibilidades que le ofrecen los materiales que emplea para crear las sensaciones más diversas: rayado, punteado, tramado, en fin, una variedad de grafismos



La luz


Concepto: Es una forma de energía que se manifiesta por ondas al igual que el calor o el sonido.
Luz directa: es la que percibimos de un cuerpo luminoso.
Luz indirecta o reflejada: es la que nos llega por reflejo de una superficie, como es el caso de la luna o los planetas.
Cuerpo luminoso: es cuando el cuerpo irradia su propia luz.
Cuerpo iluminado: Es cuando el cuerpo refleja la luz que recibe.
Reflexión de la luz: Cuando un rayo de luz encuentra una superficie pulimentada, el rayo es rechazado de acuerdo con ciertos principios. En este caso se dice que el ángulo de incidencia es igual al ángulo de reflexión. Ejemplo: un espejo.
Las superficies ásperas reflejan los rayos con arreglo a los mismos principios citados, pero debido a que no se hayan pulidas, la reflexión que se produce es difusa.
Refracción de la luz Es cuando la luz penetra oblicuamente en alguna superficie (agua, vidrio) y cambia de dirección. La refracción es causada por la diferencia de velocidad que experimenta la luz al pasar de una sustancia a otra.
Claroscuro: Cuando un objeto redondo es iluminado, podemos ver una zona más clara, que se produce directamente bajo la acción de la luz; otra zona donde no llega la luz a la que llamamos sombra y una intermedia entre la luz y la sobra, a la que denominamos mediatinta. Por último se producen los reflejos en la sombra o en la mediatinta.
Resumiendo:
1. La luz: La representamos mediante el blanco.
2. La mediatinta: La representamos mediante una sucesión de grises.
3. La sombra: La representamos mediante el negro.
4. Los reflejos: Los representamos mediante los grises muy claros.

Escala de valores

Esta degradación de valores (claroscuro) podemos interpretarla por planos y a la ordenación de esos planos la denominamos con el nombre de escala de valores.
El valor pone de manifiesto la mayor o menor cantidad de luz. Ósea, que los valores son los grados de claridad que existe entre los extremos de valores. Ejemplo: blanco y negro.
En una fotografía podemos ver como cada color natural se traduce en un valor, ya que entre ellos existe una relación en base a sus diferentes niveles de luz:
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El amarillo, el color más claro está más cerca del blanco.

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El violeta, el color más oscuro está más cerca del negro.

Los colores de valor alto (claros) reflejan más luz.
Los colores de valor bajo (oscuros) la absorben.

Carácter expresivo de la luz

Si la dirección de la luz hacia un objeto es:
1. Frontal: aplana, destruye el volumen, la percepción de los detalles resulta débil.
2. Lateral: contraste pronunciado, se destaca el volumen.
3. Ascendente: de abajo hacia arriba. Da una apariencia extraña, a veces deforma la unidad de la figura.
4. A contraluz: cuando la fuente luminosa se coloca por detrás del objeto, crea un efecto de silueta.
5. Cenital: se produce desde arriba, es la más normal.

Observar el claroscuro en:
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Renacimiento: Leonardo Da Vinci

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Barroco (Holanda): Rembrandt

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Barroco (Italia): Caravaggio





Ritmo y movimiento


El ritmo es una cualidad innata en cuanto a creación. Puede ser aprendida y desarrollada. Cuando una obra carece de él parece muerta, ya que es, sobre todo, movimiento, ósea, una creación continua que no es monótona.
El ritmo en las composiciones plásticas es un movimiento concertado que se desarrolla en las diferentes formas de la obra para enlazarlas y unificarlas, con el fin de conducir el ojo del observador por una vía organizada hacia el centro de interés, y que desde este tenga una salida fácil hacia la parte exterior de la obra.
Con todo lo dicho vamos a esbozar una definición de ritmo.
La palabra ritmo tiene su origen en el verbo rheo y del vocablo rhytmos, ambos griegos. Los dos brindan la idea de algo que fluye, que pasa, que cambia, que tiene movimiento.
Para que se produzca el ritmo necesario algo más que movimiento, hace falta orden.
Concepto: El ritmo es un movimiento o cambio ordenado dentro de una unidad. Es una secuencia regular que establece una armoniosa sucesión de elementos.

Carácter expresivo del ritmo

El ritmo nos revela la exacta periodicidad de cada fase de la vida y también nos sugiere el carácter predominante en los diferentes ciclos evolutivos de la historia. En las manifestaciones artísticas de todos los tiempos, el ritmo ha jugado papel de primerísima importancia, porque el constituye el instrumento por excelencia para organizar y uniformar. Podríamos decir entonces, que el ritmo es el recurso compositivo que mejor expresa el carácter de los estilos.
Ejemplo: es suelto y lento en las pinturas y relieves que ornamentan los templos y tumbas egipcias; en Botticelli se torna de un acusado carácter lineal y formal; se recobra su vitalidad en Poussin a través de la línea, el color y la forma de expresión abstracta.
El ritmo no es atributo exclusivo de la pintura y la escultura puesto que lo observamos en la naturaleza y en las formas de cuanto el hombre crea y realiza. El no atañe solo al contorno general de las formas; ni a las líneas predominantes en la composición; sino que corresponde a la luz, al color y aun a las texturas, es decir, abarca íntegramente toda la expresión artística.
La importancia del ritmo se basa en el valor que resulta de alternar la tensión y la relajación y si es cierto que con el ritmo se puede lograr que lo estático simule movimiento.

El ritmo en las artes

Cada una de las artes tiene su ritmo característico, pues el ritmo es la esencia de toda creación artística.
En la música por ejemplo, el ritmo es vital pues él es la misma música ya que constituye mediante la fluencia y el juego de sonidos que se enlazan en el tiempo.
En la danza el ritmo está formado por movimientos que se suceden armónicamente en el tiempo y el espacio.
En la literatura el tiempo amarra el escenario, los personajes y su psicología con el tiempo y el espacio, dando vida y alma a todo este conjunto.

El ritmo en la expresión plástica

En el dibujo y la pintura, donde intervienen líneas, masas y colores, podemos definir el ritmo como la sucesión ordenada de líneas, masas, tonos y colores.
Muchas veces sin que el artista se lo haya propuesto intencionalmente, ni dando cuenta de ellos, las líneas y masas se desarrollan y ajustan, creándose así movimientos rítmicos que llevan el ojo del espectador hacia el punto o área de mayor interés.

Clases de ritmo

Existen varias clases de ritmo tales como:
1. Ritmo de color
2. Ritmo del sonido
3. Ritmo del movimiento
4. Ritmo espacial

Ritmo espacial

Concepto: Es el movimiento obtenido de la sucesión ordenada e líneas, masas y tonos desarrollados en el espacio. El ritmo espacial se produce en el espacio, considerado este como superficie bidimensional o como espacio tridimensional.

Tipos de ritmo espacial

Por repetición: es la repetición sucesiva de una figura o línea, manteniendo siempre está el tamaño, unidad, intervalo o distancias iguales. Cuando una forma o motivo es repetido gradualmente se produce un movimiento que conduce la vista de un motivo a otro. No se les aprecia por separado, sino en sucesión rítmica que se desarrolla a lo largo del espacio.
Por simetría: Es la distribución de elementos a ambos lados de un eje central, de tal manera que una de sus partes corresponda con la otra. El eje puede ser real o imaginario.
Se distinguen dos tipos de ritmos simétricos en la composición:
1. Simetría absoluta: exacta correspondencia
2. Simetría relativa: correspondencia más libre.
3. Por asimetría: Se caracteriza por la falta de correspondencia entre los elementos a ambos lados de un eje central.
4. Por radiación: Cuando las líneas fundamentales y estructurales de una composición parten de un punto o se dirigen a él imitando rayos o radios de una circunferencia. La radiación no está siempre circunscrita al círculo.
5. Por alterabilidad: Es una sucesión de elementos variados que se repiten alternándose con cierto orden y dirección.
6. Por contraste: Es la relación de elementos de características opuestas entre sí pero unidos de cierto modo que produzcan una unidad armónica. El contraste supone el más alto grado de alternancia y es una de las bases más importantes del ritmo.
7. Libre: Son los que no están sometidos a series de elementos ordenados, según principios concretos.

Ritmo en el dibujo y la pintura

En este aspecto el ritmo se determina por la relación existente entre la magnitud de masas y su dirección. La cualidad rítmica se percibe por la secuencia regular y armónica de sus elementos (línea, masa, color, valor, textura, etc.).
El ritmo en las composiciones plásticas es un movimiento concertados que se desarrolla en las diferentes formas de la obra, que las envuelve y les imprime fuerza o movimiento interior (valor expresivo de la forma)

El ritmo en la escultura

Siendo la escultura una manifestación corpórea de las artes plásticas, la secuencia rítmica se obtiene por distribución de masas de la localización de los volúmenes. Esta secuencia rítmica se capta, se deduce de esa corporeidad poliédrica (vista desde varios ángulos) lo que obliga al observador a buscar la unidad con respecto al espacio real que la envuelve, con respecto al equilibrio de las masas.

El ritmo en la arquitectura

La distribución rítmica del espacio arquitectónica, está determinada por las formas entrantes y salientes, también por repetición modular; que en conjunto ofrece un juego armonioso de luces y sombras.
En consecuencia el ritmo se obtiene por la distribución lógica de los elementos estructurales y ornamentales.
La secuencia rítmica se percibe por sucesión de vistas desde diferentes ángulos, que el observador hace en su espacio exterior e interior (Espacio – Tiempo).

La ornamentación y el ritmo

En el diseño ornamental como en toda composición plástica el ritmo esta dado por las formas en espacio. La ornamentación es una actividad plástica que consiste en sobrecarga de una superficie con formas, colores, es decir, la ornamentación es un sistema de vestir, una superficie, un objeto, etc.
Los diseños ornamentales se pueden obtener por imitación de la naturaleza, por abstracción de la forma o por invención; por imitación de la naturaleza se representan motivos de la flora, de la fauna y de la figura humana.
Los motivos naturales pueden realizarse por abstracción de la forma en donde interviene la imaginación recibiendo el nombre de estilización.
Los motivos de imaginación son infinitos, predominando entre ellos la forma geométrica: Cuadrangular, triangular, ovoidal, circular, romboidal.



El Diseño

Principios Fundamentales

Diseñar (del latín designare) significa planificar, elaborar planes o proyectar objetos como respuesta a necesidades o requerimientos concretos. El origen del diseño está en la actividad humana cuya meta está dirigida a resolver problemas y tiene como finalidad el análisis de las relaciones del hombre con el medio, para concretarlas en objetos.
El diseñador de productos es al mismo tiempo un técnico y un artista. En él se combina el conocimiento de los materiales, mecanismos y métodos de producción con el talento artístico, para dar forma y funcionalidad a los objetos que fabricara la maquina.
El diseñador de productos tomara en consideración las siguientes experiencias:
1. La función: Es la razón de ser del diseño propuesta, y por lo tanto el primer planteamiento a que atiende el diseñador. ¿Para qué servirá el producto cuyo diseño se plantea? ¿Cuál es el problema a resolver? ¿Cómo debe trabajar ese objeto para que responda a las exigencias formuladas? La respuesta a estas interrogantes constituye la función.
2. La forma: En el diseño de productos debe quedar claramente establecida las propiedades de la forma, no como un simple aspecto externo del objeto, sino como soluciones estructurales y funcionales que satisfagan tanto al productor como al consumidor. Palabras del arquitecto Sullivan en 1890: “La función determina la forma y la forma expresa la función”.
3. Los materiales: Tienen diferencias individuales en cuanto a resistencia, peso, textura, etc y poseen un grado de adaptabilidad a diversos usos; esto obliga a respetar sus posibilidades y a servirse de ellos solo para formas y funciones acordes con sus características.



Diferentes ramas del diseño


Dentro del diseño bidimensional podemos ubicar dos tipos de diseños: el diseño de comunicación visual y el diseño grafico.

Diseño de comunicación visual

Se ocupa de las imágenes que tienen la función de dar una comunicación visual y una información visual. A veces sirve para guiar, avisar o alertar al público acerca de situaciones precisas. Ejemplo: logotipos, signos, señales (señales de tránsito), símbolos (los utilizados en formulas químicas, mapas, diseños arquitectónicos o planos eléctricos.
Pictogramas: Son símbolos gráficos relacionados con imágenes, donde los dibujos tienen parecido real con el objeto.

Diseño Grafico

Tiene por finalidad servir como medio de comunicación de ideas o conceptos. Se utiliza más que todo en la ilustración de libros, revistas, publicidad, envases, afiches, portadas de discos y en el grabado.
Ambos tipos de diseños utilizan comúnmente imágenes las cuales pueden ser abstractas (con carácter simbólico) o tomadas de la naturaleza (en forma realista o estilizada). Las imágenes pueden ser elementos muy simples y poseer una gran fuerza expresiva. También el texto se convierte en un elemento de composición y es el diseñador el que escoge el tamaño, la ubicación, extensión, tipo de letra (rotulación), color y disposición en general, para que dicho texto se integre al diseño.
También puede haber texto exclusivamente como es el caso de la página de un libro, de una revista, o de un periódico o de un simple aviso de prensa. Se habla entonces de diagramación.

Importancia del diseño de comunicación visual


Mediante el diseño visual podemos resolver problemas de la vida diaria y evitar situaciones incomodas o peligrosas. Las señales de tránsito son objeto de normas y acuerdos internacionales, independientemente del idioma o la ubicación geográfica del país donde se apliquen. Mediante una buena indicación grafica podemos encontrar la salida de un teatro, distinguir donde hay un teléfono público, un restaurant, interpretar las instrucciones para poner en marcha un artefacto, etc. La publicidad, la política, la educación, el cine, y la televisión se apoyan en el diseño de comunicación visual para promover la voluntad colectiva hacia ciertos comportamientos.
Dentro del diseño tridimensional distinguimos dos tipos de diseño: el artesanal y el industrial.

Diseño Artesanal

Es el diseño que se hacía desde la Prehistoria hasta la invención de la maquina. Consiste en elaborar piezas únicas o repetir el modelo en cantidades limitadas, ya que se fabrican manualmente.

Diseño Industrial

El diseño industrial o diseño de productos es la actividad creadora cuya meta principal es determinar las relaciones que existen entre la función, la forma y los materiales de los objetos que producirá la industria. Estos deben cumplir los siguientes requerimientos:
1. Ser fabricados en serie (repetir “modelo” o “standard”)
2. Ser fabricados mediante la utilización de maquinas.
3. Atender a consideraciones de orden estético.
El diseñador de productos debe poseer además de una mentalidad analítica, curiosidad y un verdadero interés humano y social.




Procesos de la elaboración de un diseño

Causa primera o motivo

Sin un motivo no hay diseño. Debe existir un motivo o una necesidad humana que impulse al diseñador a diseñar.
Puede ser que él tenga una idea propia sobre los requisitos anatómicos que debe llenar una silla y piensa que todos los diseños existentes son malos. O quizás el diseñador quiera intentar una nueva manera de utilizar la madera o el plástico. O quizás el fabricante que contrata al diseñador desea producir un tipo nuevo y barato de sillas.
Mediante la investigación se trata de averiguar que antecedentes hay en relación con el problema que nos ocupa: que soluciones se han dado al mismo problema o a problemas similares.

Causa formal

El diseñador comienza a imaginar cómo será su silla; esta empieza a adquirir forma en su mente. Probablemente utilice lápiz y papel para hacer algunos bosquejos que lo ayudan a pensar. Tendrá una idea de su forma preliminar, así como de los materiales que va a emplear, o de la manera de ensamblarlos. Esta etapa también es de análisis.
El diseñador no necesariamente debe ocuparse de la construcción del objeto. Aunque el mismo haga la silla, la construcción es un proceso secundario, y lo más probable es que lo haga otra persona.

Causa material

Los materiales que utiliza el diseñador tienen diferencias individuales en cuanto a resistencia, poder de tensión, pero, permeabilidad. Toda idea de objeto debe materializarse, sea en madera, metal o cualquier otro material. Una forma real no puede existir separadamente del material. Hay que comprender la naturaleza del material para que este coopere con uno, sin forzarlo. Cuando más se sabe del material, mejores y más imaginativas son las ideas.

Causa técnica

El material sugerirá herramientas y técnicas apropiadas. La forma sufrirá la influencia de las herramientas utilizadas para obtenerla, así como las técnicas elegidas.
Aceptada la proposición se inicia el proceso de realización en el cual se construye el modelo.



Conceptos para análisis plástico

Artes

Generalmente se han clasificado las artes plásticas o visuales en:
Bellas artes: Son la arquitectura, la pintura y la escultura.
Artes aplicadas: Son la cerámica, la orfebrería, esmaltes sobre metales, fotografía, grafismo, diseño e ilustración.
“…Hoy en día las artes plásticas no están académicamente limitadas dentro de la pintura, la escultura y la arquitectura; ni aceptan las absurdas divisiones de artes puras aplicadas y menores; ni se separan arbitrariamente de la ciencia como ocurría hasta fines del siglo pasado sino que buscan una relación más coherente con esta y con la tecnología. Ellas impregnan todos los medios de comunicación visual y condicionan el ambiente en que vivimos, a través del diseño de los vehículos, la moda, los muebles, los objetos domésticos, etc..”[1]

Estética

Es una parte de la filosofía que se encarga de estudiar la belleza. Investiga sobre que hay en el hombre para que se sienta el impacto de la belleza y que hay en las obras artísticas para que produzca tal impacto en el hombre.
Expresión: es el hecho de revelar lo que el artista lleva dentro de sí en una obra de arte.
Contenido: es lo que la obra de arte expresa. Es lo esencial que captamos o lo que nos dice el artista a través de su obre. No lo vemos pero lo percibimos.
Forma: La idea o sentimiento se exterioriza a través de formas. Ellas son lo que podemos captar por nuestros sentidos corporales: la vemos, la oímos, la palpamos. No necesariamente tienen que ser formas concretas, pueden ser formas abstractas. En un cuadro son: colores, líneas, etc. En una arquitectura o en una escultura son: volúmenes y espacio.

Estilo

Es el reflejo del espíritu sobre las formas. Es el modo y la manera de expresión artística.
Se habla de un estilo personal, cuando el artista refleja lo esencial de su personalidad por encima de un momento histórico determinado. Ejemplo: el estilo de Tiziano, el estilo de Rubens.
También se habla de un estilo histórico cuando lo que predomina en la obra es el alma de determinada época. Ejemplo: el estilo barroco, el estilo gótico.
El sentido de la palabra arte es más amplio que el de estilo ya que diversos estilos constituyen un arte. Por ejemplo el arte griego.

Escuela

Es el conjunto de obras con caracteres comunes determinados por la región donde los artistas desarrollan su actividad. Ósea que son factores geográficos y físicos: El suelo, la luz natural, el clima, las condiciones sociales, económicas y tradicionales del país. Los factores que influyen en el trabajo del artista y por lo tanto de todos los artistas que producen su obra en ese lugar haciendo que todos ellos se expresen con un especial acento de grupo que los distingue de los demás. Por ejemplo: La Escuela de Caracas fue un grupo de pintores quienes alrededor de 1920 iniciaron una nueva forma de tratar el paisaje.

Genero

Se ha dado en llamar género al conjunto de obras que forman una especie con características comunes, especialmente vinculadas al tema.